Cuando uno colecciona comics siempre tiene el problema de que hay distintas ediciones y tamaños, súmale manga, novelas gráficas, ediciones de libros europeos, fanzines chilenos, y queda una ensalada en la estantería.

Hace un tiempo Planeta sacaba una colección de 20 números de Batman. Pero después del número 16 mucha gente fue a buscar el número 17 y se llevó una sorpresa: el número de la semana era el 19.

Se habían saltado dos números, el 17 y 18. Terminó la colección y tras varias semanas donde los fans pensamos que quedaríamos con la colección trunca, llegaron los números faltantes. Pero… sorpresa… ¡eran más chicos!

Mientras los primeros medían 25,6 x 16,3 cm, los dos números que llegaron tarde medían 24 x 16 cm. Y al mismo precio, de $4.990. Una edición más barata de producir al mismo precio para el lector.

Además quedan re mal en cualquier bibloteca. Se parece al tamaño que hace años atrás sacaba SD (Sticker Design), de Argentina y para qué decir que es una puta falta de respeto a los lectores. Uno sabe que acá en el cono sur nos llega lo que sobra de Europa y Argentina, pero esto es ya exagerar.

Mal por Planeta, así da bien poca confianza comprar sus revistas.

Hay momentos en la vida en los que uno no sabe bien qué está haciendo, y a falta de enfrentar la verdad termina inventándose toda clase de explicaciones inútiles y argumentos imposibles que se desarman a la primera vuelta de tuerca.

En esos momentos vale recordar la frase de Rurouni Kenshin, el samurai vagabundo creado por Nobuhiro Watsuki, uno de mis mangas favoritos, a pesar de que la serie de animación no sea de la mejor calidad. La cosa es que a finales de la era Tokugawa, Kenshin Himura era un samurai siniestro e implacable. Sin sentimientos, sin miedos. Su trabajo era matar y lo hacía mejor que nadie.

Después de la era Tokugawa, y durante los diez años que duró la instalación del régimen Meiji, Kenshin desapareció, se hizo un vagabundo y volteó el filo de su espada, para no volver a matar. Fueron diez años de reflexión tras los cuales empieza el manga. En el primer capítulo Kenshin se encuentra con Kaoru Kamiya. Ella es una bella kendoka que persigue a un estafador que busca desprestigiar el buen nombre del Dojo de su padre, donde se practica la extraña filosofía de la “espada que protege la vida“.

Kenshin se enfrenta a los malos. Uno de ellos le pregunta:

¿¡Otra vez tú!? ¿También crees en la teoría de “la espada que protege la vida” (…)?

Y Kenshin replica:

No.

La espada es un arma. El kendo es un arte de matar.

Ésa es la verdad del Kendo. Por más que se adorne con bellas palabras.

Las intenciones de la señorita Kaoru son propias de alguien que nunca se ha visto obligado a matar. Pero…

…a pesar de todo…. prefiero ese ideal que la verdadera naturaleza del Kendo.

Es verdad. Es muy diferente inventarse mentiras y creérselas, a inventarse mentiras y reconocerlas como tales porque a uno le gusta, o se siente cómodo en esas farsas, en esos tijerales imaginarios.

No es que todos tengamos diez años de vagabundeo para reflexionar, pero vamos, que de los 20 a los 30, algo se debe haber aprendido.

En 2011, de la mano de Steven Spielberg y Peter Jackson, debiera llegar Tintín: El secreto del Unicornio, que según entiendo junta los libros El secreto del Unicornio y El tesoro de Rackham, el rojo. Ya tendremos tiempo para hablar de Tintín, a medida que se acerque la película y vayan saliendo “fanáticos” de este gran comic francés.

Este artículo es sobre otro tema, que aparece en uno de los mejores tomos de esta historieta: Tintín en el Tibet. Antes, un poco de historia, sacado de la página de la Editorial Juventud:

Tintín en el Tíbet coincide con una época de graves turbulencias en la vida de Hergé, y su creación constituyó una verdadera terapia que le ayudó a salir adelante. Según nos cuenta el propio Hergé en aquella época, (año 1958), atravesaba una verdadera crisis y sus sueños y pesadillas eran casi siempre blancos. Estos sueños se repetían siempre y el autor se vio en la necesidad de acudir a un psiquiatra que le aconsejó que abandonara este trabajo porque nunca lo acabaría. Cosa que por suerte Hergé no hizo. No solo acabó Tintín en el Tibet, sino que, en la opinión de muchos, es una de sus obras maestras. El color blanco reina también en  casi toda la obra, pero esta vez no como una pesadilla sino como una depuración. Vemos aquí a Tintín en su vertiente más humana, muy preocupado por su amigo desaparecido y que emprende un larguísimo y peligroso viaje siguiendo un sueño donde lo ha visto con vida. Hergé da rienda suelta a su fascinación por Oriente y por los fenómenos paranormales: sueños premonitorios, telepatías, levitación…

En muchas aventuras de Tintín hay recompensas al final del camino, a veces se llevan oro de los incas, puede ser la fama, puede ser el castillo de Moulinsart, puede ser llegar a la Luna. Es el premio al final del viaje, que muchas veces enfrenta a los protagonistas contra mafiosos, revolucionarios o conspiraciones internacionales.

Sin embargo ningún viaje es tan peligroso como el del Tibet, y ningún enemigo es tan poderoso como la naturaleza. Tintín y su inseparable amigo, el Capitán Haddock, emprenden un viaje basados tan sólo en una corazonada de Tintín: su amigo Chang, quien viajaba en un avión estrellado en las montañas, se encuentra con vida. No es razonable ni lógico pero es el poder de la amistad el que mueve montañas. Cuando todo está en contra, cuando incluso los propios Sherpas y los monjes de la Lamasería les piden que abandonen su búsqueda, pues es imposible que Chang esté vivo, Tintín y Haddock persisten y lo logran. Es entonces cuando los monjes salen a recibirlos. El diálogo es conmovedor:

PRECIOSO MAESTRO: ¡Te saludo, Corazón Puro!… Permíteme que como manda la tradición, te ofrezca esta bufanda de seda. Rayo Bendito nos advirtió de tu llegada, y he acudido a tu encuentro para inclinarme respetuosamente ante tí (…) Pocos hombres habrían osado lanzarse a una empresa semejante. Bendito seas, pues, por el fervor de tu amistad, por tu arrojo y tu tesón.

Luego el precioso maestro se dirige al Capitán Haddock:

PRECIOSO MAESTRO: Y bendito seas tú también, Trueno Rugiente, porque pese a todo, has tenido esa fe que mueve montañas.

La gente siempre anda buscando cosas que no necesita: blackberrys, ipads, mejores televisores, amigos por internet. Tener más dinero, tener un segundo auto, tener más contactos. Recompensas. Comprar cosas se convierte en un premio. “Logré tener un computador nuevo”. Mucha de esa gente ni siquiera subiría al Cerro San Cristóbal por un amigo. Menos por una… bufanda.

Estuve la semana pasada en Buenos Aires con Isabel, llegamos justo para el domingo en que se descubría una figura de Mafalda sentada en un banco en la esquina de Chile con Defensa, cerca de donde vivió muchos años su creador, Quino, en el décimo piso del número 371 de  la calle Chile. Es el mismo lugar donde “vivió” Mafalda, si quieren pueden leer este reportaje para más info, está bien bueno.

Quino está hoy está radicado en Italia y vino especialmente para la ocasión. En lo personal, soy un fanático de la tira cómica, así que no quería perderme el evento, donde además se le entregaría una medalla bicentenario de la ciudad.

Había mucha gente en un domingo que fue récord de calor en la ciudad; 34,4 grados. Llegamos un poco tarde y quedamos bien atrás, entonces a mí me bajó el hambre. Viendo que no podría sacar ninguna foto, propuse ir a comer y a tomar algo en un bar cercano. Esta es mi versión fotográfica de Joaquín Salvador Lavado, alias Quino:

En algunos departamentos se leían carteles que rezaban “Bienvenida Mafalda”. Entramos a un  local y de pronto, en medio de unos sandwiches de milanesa y unas cervezas, Isabel me pide la cámara y sale del lugar. 

La cosa es que después de descubrir la estatua de Mafalda, al parecer quisieron “descubrir” la placa que habían inaugurado en 2007… quizás aprovechando la presencia del mismo Quino en el lugar. Mientras yo tomaba una cerveza, Isabel aplicó instinto periodístico y salió del lugar, quedando mejor ubicada que la misma prensa del lugar.

Así, Quino llegó hasta la placa, con Isabel al lado.

Según me contó Isabel, le cedió el puesto a una colega periodista que no había podido tomar buenas fotos, y volvió al bar, donde yo comía feliz mi sandwich. Dimos unas vueltas por el lugar y por fin encontramos la estatua que desde el domingo 30 de Agosto de 2009 adorna la esquina de Chile y Defensa en el barrio de  San Telmo.

Esta es la escultura de Pablo Irrgang, por fin Mafalda ha vuelto a casa.

Peppermint Patty sabe de lo que habla.

La exposición lleva ya un tiempo en el CCPLM (abajo de la Moneda) y reúne una selección de dibujantes del cono sur, está bastante buena, yo fui hoy -que recién pudo ser la inauguración- y es un agrado ir a un centro cultural a reirse. Yo parecía idiota frente a una portada de Condorito, por ejemplo. Igual hay muchos estilos, muchos dibujantes, y si pueden conseguir el catálogo, van a llevarse varios para la casa. De los más conocidos está Maitena, Jimmy Scott, Salinas, hay harto chileno y mucho por conocer, es un buen rato garantizado por si están por el centro, la entrada es gratuita y hay también varios comics para leer en el mismo lugar. Esta exposición ha pasado por varios países de Latinoamérica, uniendo países en un arte tan poco… apreciado acá en Chile. Ayer el Themo decía en el diario que parecemos una isla, que es como si no hubiesen comics en este país. Y a propósito del Themo Lobos, mañana jueves en el Instituto Alpes (República 430) a las 19:30 hay un homenaje a su obra, para mí es imperdible, es un ídolo máximo, hoy recordaba viendo unos tomos empastados de Cucalón, que una vez me gané un año de esa revista gratis. Era increíble, llegaba en un sobre todos los meses a mi casa, hasta que empezó a distanciarse, cada vez salía menos, era una pena. Pero esa es otra historia. Mañana entonces -hoy ya- está el Themo, que vive en Con Con y al parecer no le agrada mucho dejarse caer por estos lados.

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Ayer martes se lanzó el martes en el Centro Cultural de España el número 8 de “Informe Meteoro“, un comic trimestral editado por la gente de Irenkomics (por el famoso alien “Irenko” del programa OVNI de TVN, de hecho hace tiempo con mis amigos inventamos la “Irenkola: la abducción del sabor”), un comic que reúne historias cortas sobre Aldo Alquinta, un tipo que según contaban en el lanzamiento de “Monos chistosos“, está basado en un “personaje” de la vida real, que según recuerdo vive de los viejos, lee comics y ve tele. Y tiene como 30 años. La cosa es que en el comic Aldo vive aparte de con sus dos gatos, con dos extraterrestres del planeta Irenko, Yelson y Lomak, quienes tienen que entregar cada tres meses un reporte a su planeta: de ahí nace la idea del Informe, que en un humor bastante gracioso toma tópicos nacionales y les da unas trescientas vueltas antes de regurgitarlos en el papel. Desde el team Mekano y los candidatos presidenciales -en época electoral- hasta el Transantiago. En nuevo número vienen los escolares con “Revolución y Comunicación“, la saga “Soltero con Aliens“. y “La amenaza del boomerang interestelar“, entre otros. Son varios dibujantes y guionistas, cada cual le da a los aliens un aspecto diferente, por lo que nunca se ven iguales entre un número y otro. Ayer compré todos los comics y me los devoré durante esta triste noche con otitis, tienen momentos geniales y son en general muy divertidos, la idea de hacer humor con cosas reconocibles siempre es agradable y les funciona muy bien. Los dibujos son muy bien acabados -en el último número incluso hay una saga tipo manga- y siempre diferentes, lo que da una frescura visual bien agradable entre historia e historia.

Una buena idea bien desarrollada. Me agrada bastante. Si quieren saber más pueden visitar el blog de Irenkomics, y si quieren conseguirlos pueden ir acá en Santiago a la tienda Shazam! ahí en Huérfanos 714 local 8. Sale $1.500 el número, y este bloguero lo recomienda como una fuente de entretención -dudo si poner “sana” fuente de entretención, ya que después de ocho números me siento, en realidad, más enfermo. No se si es la otitis, la sangre seca en los oídos -odio eso- o la locura espacial que según presiento, gracias al informe, es inevitable. Ah, una cosa, en el lanzamiento estuvo tocando una banda llamada “Radiotriciclo“, me gustó bastante. La canción del gato Edgar que le gustan los porotos, y la de espíritus chocarreros se me pegaron mientras caminaba a mi casa. A ver si alguien sabe más de ellos.

Esta semana salió en los kioscos “Comic9” un nuevo intento de la historieta nacional, reuniendo 3 comics en una sola revista, en buen papel, a $1.500 pesos. No lo pensé y decidí darle una oportunidad, total, es un esfuerzo que vale la pena. Además me pareció buena idea hacer un review, de hecho encontré una página que ya lo había hecho, desenfocados.cl, así que aproveché de tomar la foto para no escanear yo el papel. Gracias. Vamos entonces a ver. De partida me gusta que las revistas traigan más de una historieta, aunque claro, es un arma de doble filo. Si me gusta una de tres, no creo que seguiré comprando la revista, y por otro lado hacer una crítica en general es complicado, porque son tres estilos diferentes. Aunque algo podemos sacar en general. Veamos.

La primera historieta se llama “Sonata Eléctrica“, el guión es de D. Bautista y las ilustraciones de Juan Vásquez. No conozco sus antecedentes, pero vaya que Chile es un país de poetas. Unos gatos en la oscuridad con un lenguaje mayor al que tendría un adolescente hoy en día: “pasado y presente se unen en una sinfonía de movimiento“. ¿Será que somos incluso “poetas de viñeta”, o será que “Sonata” busca su propia poética, que, digámoslo, raya en la cursilería?. “La ciudad está viva y respira a través de esterotres eléctricos“. No quiero poner más ejemplos, pero la primera parte se trata de unos gatos que viajan sobre un tren, buscando su destino. La segunda, de unos motoristas muy ochenteros que parecen compartir sus vidas con estos gatos, al final son dos grupos de vagabundos que solo buscan su destino por las calles de la ciudad. La diferencia está en que los gatos son víctimas y los motoristas victimarios. El guión da para más, creo que es importante para cualquier guionista de comic saber que si tienes pocas páginas, hay que tirar la carne a la parrilla de inmediato. Este comic se demora en empezar y se pone más interesante cuando nos alejamos de los gatos y llegamos a las pandillas. En cuanto al dibujo, es algo difuso en los rostros, logra bien las sensaciones de velocidad, es más útil en los gatos que en los humanos, recuerda a un comic más ochentero, de bosquejos y lápices rápidos. Habrá que ver en qué sigue, aunque dentro de todo es predecible.

La segunda historieta, “Calcerberius” tiene en sus créditos a “Cidfonter” en guión y en trazo, tinta y color a “Karmaind”. Es básicamente el surgimiento de un héroe, es la más débil de todas en cuanto a dibujo, y para qué estamos con cosas, también en guión. Un héroe, limitado por la ciencia, se niega a seguir obedeciendo órdenes y decide, después de salvar a una chica y de entender gracias a un comic la importancia de un héroe, que tiene un destino. Mmmm a ver. Varias cosas. Lo primero es que una mina “así de rica” es complicado que trabaje en una tienda de comics. Mi problema pasa por la relación del protagonista con los comics, a todos quienes nos gusta, ya sabemos lo importante que es, no necesitamos ser convencidos, y al mismo tiempo… nadie encuentra su destino gracias a los superhéroes con capas. ¿Lo más interesante de esta historieta? Quizás la tecnología… las referencias a nanobots, la imaginación puesta, y los misterios que quedan abiertos. Pero nuevamente un “número uno” que debería decir más. Y el dibujo de la última página, lamentable, con cero proporción. Un estilo que personalmente no me agrada, de mono animado actual.

La tercera historieta se llama “Menos uno” , el guión es de Tronander, dibujo de “Negro” y Color de “Tripio”… y me encantaría haberla entendido más. Porque de partida es la más innovadora en cuanto a guión, dibujo, y no solo eso, sino en la manera de distribuir las viñetas en la página, lo que logra que agarre un mejor ritmo. Pero por alguna razón…. no se entiende. Está este personaje moribundo… y al parecer recuerda su infancia, donde era un chico problema, un peleador. Eso es lo que entendí, y no sé si será solo mi problema. Hay dibujos sumamente rescatables, el de la primera página, por ejemplo, o muchos juegos de luces y sombras. El tono de violencia en el colegio es muy bueno, “El Chute”, “El monedas”, “El Jumbo”, se convierten en personajes creíbles y queribles de partida. El tono nostálgico-violento funciona muy bien. ¡Pero no se entiende la otra parte! Que quieren que haga, es un primer número que nuevamente no se la juega con todo para dejarte atrapado, y es esa, al terminar de leer la revista, la sensación general, de que no se la jugaron del todo por convencernos para comprar un segundo número. Yo creo que lo compraré, pero con mis dudas, o dependiendo de cómo anden mis finanzas por esos días. Comic9 es un nuevo aporte al género pero no se convierte en una revista indispensable para los comiqueros, cosa imperdonable en realidad considerando lo mucho que debe costar un proyecto de esta índole.

Mucho que mejorar para el próximo número, para que ojalá logren ser muchos más.

He vuelto de Curanipe. Ya les contaré de eso. Por ahora les dejo esta traducción que me hizo una amiga sobre un texto que vi en internet el otro dia, una entrevista de fans a Bill Waterson, que como deben saber, es el creador de una de las tiras cómicas más geniales que he leído, Calvin y Hobbes. No estaba en español así que ojalá les guste. Saludos. La entrevista original está acá.

Fans de todo el mundo entrevistan a Watterson

Mark Mulvey, Port Murray, NJ

P: ¿Las aventuras de Calvin y Hobbes se parecen a tu propia infancia, o la tira cómica es una forma para crear historias que nunca viviste de niño?

R: Diría que los aspectos ficticios y no ficticios están bastante intensamente entretejidos. Mientras Calvin definitivamente refleja ciertos aspectos de mi personalidad, nunca tuve amigos imaginarios animales, generalmente me alejaba de los problemas, me iba bastante bien en el colegio, etc. Así que la tira no es literalmente autobiográfica. Varias veces usé la tira para hablar de cosas que me interesan como un adulto, y por supuesto muchas de las aventura de Calvin se dibujaron simplemente porque pensé que la idea era divertida. En cualquier tira cómica, la cantidad de invención variaba. Tengan en mente que las tiras cómica son típicamente escritas con una cierta cantidad de pánico, y todo lo inventé en el camino. Sólo escribí las cosas que se me ocurrían.

Charles Brubaker, Martin, TN

P: ¿Qué piensas de las secciones de humor desde que te jubilaste hace 10 años?

R: Me demoré un poco, pero ahora leo los comics casi como una persona normal. Esta no es una gran época para las tiras cómicas de periódicos, pero hay algunas que disfruto. Podría ser mejor, podría ser peor.

Meghan Bolton, Columbia, MD

P: ¿Cómo sería de diferente el Calvin de 6 años hoy en el 2005 versus 1985-1995?

R: Generalmente intentaba mantener la tira relativamente desanclada del tiempo. Los juguetes de Calvin por ejemplo, eran mayoritariamente un vagón y una caja de cartón en lugar de algo muy actualizado. Supongo que en el 2005 Calvin sería diferente, no porque sea una época diferente, pero porque creo que algunas cosas son distintas en este punto de mi vida.

Suzanne Kaufmann, Charlottesville, VA

P: Muchas de las tiras de Calvin y Hobbes tenían algún tipo de elemento moral o teológico que me pregunto cómo fue tu crianza religiosa y si influyó en eso (por ejemplo la tira “Ama al pecador, odia al pecado”, tanto como muchas tiras relacionadas con el Viejo Pascuero), ¿Adivino que fuiste criado como católico?

R: De hecho, nunca he ido a ninguna iglesia.

Ben Gamboa, Whittier, CA

P: Muchos jóvenes dibujantes de comics usan Internet para exhibir su trabajo en lugar de, o en acorde con, medios impresos porque hay tan pocas barreras de entrada y el medio provee libertad para experimentar con la forma, contenido y color. Dada tus preocupaciones sobre el estado de tiras cómicas de periódicos ¿qué piensas sobre este desarrollo?

R: Para ser honesto, no estoy al día con esto. Internet puede proveer muchas salidas para los dibujantes de comics, pero imagino que es muy difícil sobresalir del mar de basura, atraer a una gran audiencia o ganar dinero. Los periódicos todavía son la liga mayor para tiras cómicas, pero no quisiera apostar cuanto tiempo permanecerán así.

Kodi Tillery, Kansas City, KS

P: ¿Tuviste alguna situación en la vida real que hayas capturado en un incidente similar entre Calvin y Hobbes? Si es así, ¿puedes describir la situación y el impacto que la tira tuvo, por ejemplo, en que las personas en tu vida se dieron cuenta que aparecieron en tu tira?

R: Traté de no usar mi vida tan directamente. Cuando empezaba a cruzar la línea, lo sentía como un tipo de explotación. Los temas de la vida real me dieron temáticas para trabajar, pero ahí inventaba las historias. Los hechos inconvenientes se borraron, los detalles se cambiaron y partes enteramente ficticias se sumaron, todo esto para satisfacer la necesidad de mi tira. Mi familia ciertamente reconoció el contexto de muchas tiras, pero intenté que las partes verdaderas sólo fueran un punto de partida.

Alan Taylor, Lubbock, TX

P: Has sido persistente en no transformarte en una figura pública. Eso lo respeto mucho. ¿Hay algo que quisieras decirle a tus fans que no entienden tus deseos y por qué es importante que no quieras tener los focos sobre ti?

R: Mi impresión es que a los que no lo entienden, no les interesa entender.

Matthew Atkinson, Oklahoma City, OK

P: ¿Qué atributos te gustaría ver más comúnmente en los niños?

R: ¡Buenos padres!

Timothy Hulsizer, Keene, NH

P: Muchas veces has citado a Herriman, Kelly, Schulz, etc., como inspiración de comics. ¿Pero quién te inspira más en el área de pintura e impresión?

R: Por el momento pienso más en los artistas de 1600s, pero estudio a cualquier artista que ataque temas en particular con los que estoy trabajando. Titian un día, de Kooning el otro. No era mi intención, pero de ese modo a través de los años he juntado un modesto entendimiento de la historia del arte

Nick Samoyedny, Tarrytown, NY

P: ¿Qué fue lo que hizo que te resistieras al merchandising de Calvin y Hobbes?

R: Para empezar, claramente calculé mal lo popular que sería Calvin orinando en el logo de Ford. De hecho no estaba en contra de todo el merchandising cuando empecé con la tira, pero cada producto que consideré parecía violar el espíritu de la tira, contradecía su mensaje, y me sacaba del trabajo que quería. Si mi síndico lo hubiese dejado ahí, la decisión probablemente me hubiera quitado 30 segundos de mi vida.

Jonathan Fang, Riverside, CA

P: Reflejado no solo a través de características de Calvin y Hobbes, pero también en tu estilo único de arte, narrativa y layout, parecía que ponías énfasis en lo individual. Le hablaste a los outsider, o gente que no encajaba con las “normas” de la sociedad (me incluyo) y sin duda hiciste que la gente se sintiera bien con ser diferente. ¿Era esa tu intención cuando empezaste con Calvin y Hobbes y qué sientes sobre el individualismo y originalidad?

R: Supongo que una de las cosas que me gusta de Calvin es que si encaja con el mundo más amplio o no es casi fuera del punto, porque no puede evitar ser él mismo. Por supuesto que cuando empecé con la tira mi intención era simplemente tener un trabajo como dibujante de comics. Tenía pocas grandes ideas de adonde se dirigía mi trabajo hasta que llegué ahí. Pero mirando hacia atrás, creo que la tira en genera refleja mis valores sobre estos temas.

Meghan Bolton, Columbia, MD

P: ¿Hay algo que quisiste incluir pero no pudiste por el síndico, editor o público? Si es así, ¿cómo manejaste la situación?

R: Eso nunca fue un problema, no estaba tratando de empujar ese tipo de límites.

Jyrki Vainio , Lahti, FINLAND

P: La mayoría de los dibujantes de comics dicen que prefieren la espontaneidad y energía de sus croquis iniciales a lápiz a sus dibujos terminados en tinta. ¿Tienes alguna opinión sobre esto? Ya que parece que los dibujos en tinta en tu trabajo son los que tienen esa energía espontánea.

R: Mis dibujos en lápices tienen anotaciones minúsculas de quién está hablando, así que no tengo una particular reverencia por ellos. En mi caso, son los dibujos terminados los que capturaron más del impacto visual que estaba buscando. De hecho, hacía tan pocos dibujos preparatorios en lápices para la tira terminada como fuera posible, para que el trabajo en tinta fuera un encuentro real de dibujo, y no un calco estéril de líneas de lápices. La tinta es un medio maravilloso en sí mismo.

Dara Card, Orem, UT

P: ¿Hay algo de la tira que cambiarías si pudieras retroceder? (No es que necesite algún cambio, me parece perfecta como es)

R: Digamos que cuando leo la tira ahora veo el trabajo de un hombre mucho más joven.

KT Misener, Ontario, CANADA

P: ¿Qué libros lees una y otra vez?

R: Hmm. De pronto me siento muy superficial.

Me encanta el comic, y ayer jueves se lanzó en el centro cultural de España un volumen de 190 páginas de recopilaciones de humor gráfico Nacional, “Monos Chistosos”, con un montón de gente, entre ellos Jucca, Christiano, Rodrigo Salinas, Peirano, Asterisko, entre otros. Es una libro que lanza la facultad de arte de la universidad de Chile, y en la presentación se tocó una vez el tema, casi entre risas, de por qué el comic nacional siempre sobrevive, a duras penas, pero peleando su lugar entre las “bellas artes”, como si fuera fácil concebir una tira, dibujarla, ilustrarla… no he revisado el libro pero me reí mucho con una sección de Salinas, llamada “Mampato viejo”, una idea muy simple, qué hubiera pasado si Mampato hubiera envejecido y fuera hoy… un viejo de mierda. Claro, después de viajar por el tiempo y conocer todas las épocas, más que claro que serías un viejo mañoso.

Da la sensación de que el mundo del cómic y el humor gráfico nacional chileno es, de todas las artes, la más esquiva. ¿Dónde la encuentras? Por lo menos si quieres… flamenco, tango, o algún lugar, tienes bares para eso. Yo con suerte me he topado con un par exposiciones de cómic chileno. Pero siempre está tan detrás… el parque del cómic lo inauguramos poco en serio, “por etapas”, con figuras de yeso para que la juventud mee sobre Condorito felizmente. A mi siempre la habilidad de dibujar me ha parecido asombrosa, especialmente por lo malo que soy en ello y lo mucho que me gusta. Creo que es impresionante ser capaz de ver la realidad, digerirla y regurgitarla dependiendo del estilo propio que cada uno tenga. Y nuestro cómic es tan especial, es muy político, muy mordaz, muy ácido -eso me encanta- y a la vez inteligente, se nota que es escrito por tipos sumamente perspicaces, que cual fuera el talento que tuvieran, se dedicarían quizás a escribir novelas o canciones, pero les tocó el bicho del dibujo y hasta ahí llegaron.

Hay intentos de comic chileno cada cierto tiempo, hace algunos meses les contaba sobre el libro de Max Carvajal, ahora sobre esta recopilación de “Monos chistosos”, que vale la pena. Voy a averiguar dónde conseguirlo -de partida prueben en la facultad de arte de la universidad de chile- y postearlo acá mismo. Absolutamente recomendable.

Y ojalá que cuando vayan a comprar cómics, revisen un poco la parte chilena, es cierto que ver a veces los dibujos y leer los diálogos te hace sentir más cercano, quizás ese humor mordaz te refleja mucho más porque estás viendo a la parte que te corresponde de tí en la sociedad, plasmada en papel, y eso puede resultarle a alguna gente un poco molesto, a nadie le gusta que le digan lo que está haciendo mal… salvo a los necios.

Así que aprovechémos este nuevo respiro. El comic chileno es como las tortugas de agua…. pueden vivir, extrañamente, debajo del agua, pero cada cierto tiempo salen, respiran, comen, y hay que agarrarlas en ese momento, antes de que vuelvan a hundirse. Aunque es asombroso cuanto aguantan bajo el agua. Como si no necesitaran respirar.

O publicar, como quieran.

El otro día andaba por acá mi primo de 5 años y cuando vio un comic de Batman, dijo “a mi me gusta Batman”. Claro, y a quién no. Es el personaje torturado por excelencia, el caballero de la noche, un héroe sin poderes, en gran parte detective, en fin. Mi favorito, de hecho. “Año Uno” es una novela gráfica que narra los comienzos de Batman, cómo llegó a ser quién es. Parte de eso fue tomado para la asquerosa película “Batman Begins” que para los fanáticos es realmente un asco. Bueno, en el primer capítulo, Bruce Wayne, vestido solo con un traje negro, sale a defender a los inocentes. Pero tiene un problema, y es que nadie le teme, los criminales no se rinden ante él, y sale muy malherido de aquel primer choque. Apenas puede subir a su Porsche y llegar al estudio de su mansión, donde con una campanilla de auxilio en su mano, reflexiona sobre lo que ha ocurrido. Es un momento crucial en la historia de los cómics:

Padre… temo que quizás debo morir esta noche.
He tratado de ser paciente. He tratado de esperar. Pero debo saber.
¿Cómo, padre? ¿Cómo lo hago?
Si toco esta campana, Alfred vendrá. Puede parar la hemorragia a tiempo. Otro de los regalos que me diste, padre. Tengo riquezas. La mansión de la familia descansa sobre una cueva que será el cuartel perfecto… hasta un mayordomo con entrenamiento de combate.

Sí, padre. Tengo todo, menos paciencia. Prefiero morir… que esperar otra hora. He esperado… dieciocho años.

Dieciocho años. Desde El Zorro. La máscara del Zorro. Desde la caminata esa noche. Y el hombre de los ojos vacíos y cuadrados. Y una voz como cristal siendo aplastada…

…desde que toda razón abandonó mi vida.

Sin advertencia alguna, viene…

Entonces un murciégalo cruza volando por una de las ventanas.

Atravesando la ventana del estudio… ahora mío. Lo he visto antes… en algún lugar. Me asustó… de niño. Me asustó… si Padre.

Seré un murciélago.

Y Bruce toca la campanilla. Es el final del primer capítulo y el comienzo de una gran historia. Esta es una época de decisiones importantes para todos. En especial aquella que tiene que ver con qué estudiar, que seguir estudiando o que dejar de estudiar. O a qué dedicarse. Sería bueno tener sucesos tan cruciales que despertaran a uno a decir “Si Padre, será un locutor radial”, “o técnico en informática”, o lo que sea.

O quizás para mí ha llegado el tiempo de decir “Si Padre… seré un escritor”

Originalmente publicado en Batman, Year One, 1986, 1987, DC Comics. Guión por Frank Miller e ilustraciones por David Mazzuccelli.

El libro “10 años con Mafalda” trae una entrevista con Joaquín Salvador Lavado (Quino) que dice bastante sobre su personalidad. Cuando leí esa entrevista por primera vez, yo era desde hace años un fan de Mafalda, quizás no de ese personaje en particular, sino de esa pandilla, de Felipe, Manolito, Susanita, en fin. Tenía la combinación perfecta, inocencia, humor, crítica social, en fin. Esta entrevista traía algo que en esa época me llamó la atención, la relación que tenía Quino con su creación. Él no estaba para vender pomadas ni para decir mentiras, Mafalda le había hastiado y esa era la verdad. Pasa lo mismo a veces con la gente. El hecho puntual es que Mafalda, ciertamente, era un poco falsa. Pedante, arrogante, no sé, sus conclusiones sobre el mundo le habían matado toda la inocencia, el personaje se había ido de las manos y así no se pudo seguir. La parte final de la entrevista es esta:

-¿Usted qué siente: mató a Mafalda o la dejó morir?

-No nos pongamos trágicos. Empezó a resultarme opresiva. Si seguía con Mafalda, la historieta iba a terminar por liquidar al dibujante.

-Quino, con la mano en el corazón, o en el cerebro, dígame: ¿extraña a Mafalda?

-No. Sólo una vez en catorce años tuve una ocurrencia referida a Mafalda… De aquella historia me sigue divertiendo mucho Libertad. Me mato de la risa con sus ocurrencias… por ejemplo aquel diálogo en el que la maestra le pregunta a Liber: “¿el sol sale por dónde?” y ella le responde rotunda “Por la mañana”. Y la maestra le dice: “¡Pero eso no es un punto cardinal!” y Liber le retruca “eso a él no le importa: sale igual”.

-Es tan cierto que no extraña a Mafalda?

-Seguro que no… Si Mafalda quiere vivir, allá ella. Yo también quiero vivir… y en eso estoy.

The Martian Manhunter es un super héroe de la DC Comics, el último sobreviviente de marte. Tiene varios poderes pero uno de los principales es su telepatía, poder que conlleva -como muchos otros- una gran responsabilidad. El Detective Marciano es un tipo muy serio, y cuando los guionistas saben usarlo, salen joyas como este comic, “El hombre que nunca fui“, en el que, ayudado por Batman, deben buscar al asesino de un amigo de John Jonn’z, una de las muchas personalidades de nuestro amigo verde en la tierra. Dos personas conflictuadas en una gran historieta.

“Sabía que era cuestión de tiempo para que él apareciera, “Suficiente” dirá, “aléjese antes de qué…”, y ahora lo tocaré con mi mente lo suficiente para hacerle saber quién soy. Puedo sentir que le disminuye la tensión. Le crece una calidez genuina. Nunca lo admitirá, pero realmente me quiere. Me ve como a uno de sus pocos amigos. Y lo gracioso de todo eso… es que en realidad me conoce tan poco como este chico asustado. Entonces hago lo que él espera de mí: actúo un poco… inflo mi pecho. Luego lo desinflo lo suficiente como para darle un pié. Hay tanto dolor dentro suyo. Tanta furia. Pero su capacidad para compadecer… para amar… sorprendería a más de uno. Incluyéndolo a él.”

“Me siento en el auto junto a él y una imagen chorrea de su mente. Un jovencito, salpicado de sangre, de rodillas, junto a los cuerpos de sus padres muertos. Su dolor, su trauma, es tan profundo, y en todos estos años… no lo enfrentó. Él tiene tanta hambre de venganza… sigue castigando al hombre que mató a su madre y su padre.

No. Se está castigando a sí mismo. Por haber sobrevivido.

“(…)Siento el placer dentro de Batman mientras baja a estos desafortunados. Pero junto al placer hay un dolor intolerable. Porque, con cada golpe, se daña más a si mismo que a ellos. Daña al chico que vivió cuando sus padres murieron. ¿O estaré proyectándome incoscientemente en la pantalla de la mente de Batman? Todos estos años, comido por la culpa… por la muerte de mi mujer y mi hija… y de mi raza.

Publicado en “Liga de la justicia América” número 27, (El hombre que nunca fui, por el Detective Marciano), Guión de Keith Giffen y J.M. de Matteis, dibujos por Tim Gula.

Qué gran serie es “Viaje a las estrellas“. Y qué gran personaje es el Sr. Spock, siempre reprimiendo sus sentimientos… pero en una nave llena de humanos, como el Enterprise, debe haber sido complicado lidiar con gente que se deja guiar por instintos todos los días, mientras por afuera pasan los planetas, rumbo a la frontera final.

-”La intimidad es importante para todos. No discutiré mis relaciones… personales y profesionales con el Capitán Kirk. Valoro esa relación tanto como mi honor de Vulcano. Sugiero que si tiene alguna pregunta más sobre el Capitán… se la haga a él.”

-El Sr. Spock, a R. J. Blaise, en el comic de Star Trek, “El Juicio de James T. Kirk”, escrito por Peter David y dibujado por James W. Fry.

Quién tuviera esta certeza sobre su chica, o su esposa. Lástima que la pobre Sue Dibny se haya muerto.

“Ella conoce a todos. Batman, Flash, Arthur, Hal. Ella ha visto a Hawkman con ese pecho peludo. Vamos, ella ha visto directamente a Superman, el rompecorazones de ojos azules. Y todaví­a me elige a mí­.

-¿Y Wonder Woman?

-Diana es hermosa… pero para mí­ está segunda. Yo amo a Sue. ¿No lo entiendes, Lorraine? No es sólo que cree en mí­. Ella es mi dama.

Ralph Dibny, El Hombre elástico, en “Crisis de Identidad”, número 1, DC Comics.